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Peinture à l'huile: Matthew Mitchell: Application des techniques de portrait de Rembrandts

Peinture à l'huile: Matthew Mitchell: Application des techniques de portrait de Rembrandts


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Le peintre à l'huile Matthew Mitchell adapte la méthode de travail de Rembrandt pour ses portraits mettant en vedette des Américains exerçant des fonctions civiles ou militaires en Irak et en Afghanistan.

par Karen Frankel

Alexander Scott Arredondo
2005, huile sur lin,
30 x 26. Toutes les illustrations
cette collection d'articles 100 Faces of War Experience Project.

Il y a quelques années, un artiste du Massachusetts Matthew Mitchell travaillait en tant qu'illustrateur et peignait alla prima dans l'huile pour le plaisir quand il a déterminé deux choses: premièrement, que le vitrage et le brouillage offrent la possibilité d'ajouter plus de profondeur à un portrait, et deuxièmement que «j'ai trouvé que j'étais le plus heureux quand j'ai pu pour réduire une illustration au visage essentiellement de quelqu'un. " Ces deux idées se sont croisées dans le projet actuel de Mitchell, The 100 Faces of War Experience, une entreprise pluriannuelle qui comprendra à terme 100 portraits de personnes qui ont voyagé d'Amérique en Irak ou en Afghanistan pour servir dans un rôle civil ou militaire au cours des récentes guerres. Mitchell a conçu l'idée de ce projet à but non lucratif en 2005, et dès le début, il a cherché à souligner l'importance de certaines idées traditionnelles dans le portrait, y compris l'échelle des pièces. «Les peintures sont réalisées en taille réelle», explique Mitchell. "Tout l'intérêt du spectacle est de rendre une personnalité présente à la fois à travers les mots écrits par les sujets et à travers les peintures - chaque portrait doit toujours être accompagné de mots soumis par la personne photographiée."

Les portraits de Mitchell sont, en grande partie, basés sur les techniques de Rembrandt. Après avoir passé deux ans à regarder une reproduction de l’autoportrait de Rembrandt en 1669, Mitchell a réalisé qu’il n’était jamais déçu par l’expression de la gardienne ou par la peinture elle-même. Cela lui a donné envie de découvrir comment le maître néerlandais travaillait, et la plus grande leçon apprise était l'importance des couches. Les formes de Rembrandt ont été construites en utilisant de nombreuses couches, et Mitchell affirme que les couches elles-mêmes étaient ce sur quoi Rembrandt se concentrait. Cette idée a excité Mitchell parce qu'il avait peint humide sur humide et déposé directement ses couleurs. La stratification des glaçures offrait de nouveaux défis. Par exemple, comme la couleur d'origine peut être émaillée plusieurs fois, «concevoir la couleur devient vraiment délicat», explique Mitchell. "Je dois penser à la façon dont il va être influencé par les calques suivants afin d'obtenir la couleur que je veux dans la phase finale." Rembrandt a utilisé à la fois les couches minces d'une glaçure et les couches épaisses de la technique de l'empâtement, ce qui a également fortement influencé la façon dont il a obtenu la couleur souhaitée. Mitchell suit le même processus. "Parce que je brouille l'empâtement avec le bout de mon pinceau pour que le spectateur puisse voir jusqu'au calque ci-dessous, je dois réfléchir à la quantité de couleur qui va être révélée ainsi qu'à la couleur des glacis qui vont s'ajouter cette couche épaisse. "

Steve Mumford
2007, huile sur lin, 30 x 26.

La palette de Mitchell est basée sur les suggestions de Michael Wilcox, qui a écrit plusieurs livres sur la couleur. Mitchell utilise à la fois une version chaude et une version froide des couleurs primaires, en particulier le bleu céruléen et le bleu outremer, le rouge quinacridone et le rouge cadmium, et le jaune cadmium moyen et le jaune Hansa. «Je n'aurais jamais trouvé Hansa jaune sans Wilcox», explique Mitchell. "C'est un très bon mélange de jaune frais." Sienne brûlée, terre d'ombre brûlée, ocre jaune, noir lampe, noir ivoire et blanc de titane complètent sa palette. Il travaille sur des toiles de format portrait 26 x 30 afin que ses représentations puissent être en taille réelle.

Bien que Mitchell aime travailler à partir de la vie, ses peintures pour le projet 100 Faces sont généralement réalisées à partir de photographies. «Quand je rencontre les gens du projet, nous nous asseyons et je les laisse simplement parler de qui ils sont et de tout ce qu'ils aiment», explique-t-il. «À la fin de la session, je leur demande de se lever pour que je puisse prendre une photo. Le résultat est une sorte de franchise sur la photo, quelque chose d'inhabituel. » Mitchell imprime les photos immédiatement afin qu'il puisse ajouter ses impressions de la conversation aux images.

Il prépare sa toile avec gesso puis exécute une sous-couche. L'artiste enduit la surface d'un mélange d'un peu de bleu céruléen et de gris, ce qui donne un ton moyen sur lequel il peut dessiner en utilisant un mélange bleu-gris plus foncé ou une terre d'ombre. Parce que les portraits de 100 visages sont très simples, il les compose directement sur la toile. «La technique que j'utilise permet de nombreux changements subtils au fur et à mesure que je crée des calques, donc si je veux, je peux réorganiser un peu les choses», dit-il.

Tanya Karst
2005, huile sur lin, 30 x 26.

Après avoir peint dans les bases de la tête, Mitchell applique une épaisse couche d'empâtement dans des couleurs très vives. "Ce sont des couleurs que vous pouvez généralement voir sur les visages des gens", explique l'artiste. «Il y a des rouges sur les joues et le nez, et différents rouges sur les lèvres. Les jaunes autour des orbites et les bleus céruléens autour du front sont généralement visibles. Bien qu'il existe de nombreuses variantes de ces couleurs sur les visages de différentes personnes, vous pouvez compter sur certaines d'entre elles sur tous les visages. » Alors qu'il crée l'empâtement, la peinture épaisse commence à définir les formes du visage. Mitchell laisse certaines sections, telles que les yeux et certaines parties des joues, lisses. Il met un séchoir, comme du Liquin, du Galkyd ou de l'huile de lin contenant du manganèse, dans l'empâtement pour pouvoir commencer à le sculpter le lendemain. À l'aide d'un couteau à palette ou de l'extrémité opposée d'un pinceau, l'artiste remonte dans l'empâtement en grattant la peinture. Mitchell souligne que la sculpture crée une texture où les reflets peuvent se démarquer - littéralement. Les zones surélevées du tableau attirent la lumière.

La sculpture révèle également le sol et donne une sensation de pores à la peau. "Il y a une direction ou un flux vers la peau des gens, et j'essaie de créer un sentiment d'espace en travaillant avec cela", dit-il. Lorsque la couche d'empâtement est complètement sèche, Mitchell glaçe la peinture avec un mince mélange d'ombre brûlée, puis il frotte judicieusement la glaçure. «La couleur de l'émail repose dans les pores, dans la texture de la peinture», dit-il. «C'est quelque chose que vous voyez beaucoup dans le travail de Rembrandt et de ses contemporains - ils mettent un glacis sur les choses, puis frottent sélectivement la surface. Il en résulte un sens subtil que ces parties avancent. "

Scott Palmer
2005, huile sur lin, 30 x 26.

Pour les modèles noirs, Mitchell utilise une glaçure supplémentaire de violet pour capturer les nuances violettes de leur teint. Il traite la glaçure violette de la même manière que la glaçure d'ombre - en l'essuyant, puis en l'essuyant à certains endroits.

Lorsque la sous-peinture est terminée, et avant de mettre les couleurs finales de la chair, Mitchell dessine dans les ombres les plus sombres, l'obscurité des narines et la ligne de la bouche. «Peindre les ténèbres avant les tons chair finaux est important parce que l'apparence du scumble - le glissement de la peinture claire sur la peinture sombre - est une autre façon d'ajouter un sentiment de superposition», explique l'artiste. "Cela crée le sens des choses qui viennent d'en bas que vous voyez dans les vieux portraits."

L'artiste peint les tons chair finaux très légèrement. "Habituellement, il y a un peu plus de glaçage dans les zones de couleur chair où j'aurais pu peindre trop brillamment, dans les zones que je veux reculer un peu, ou où je veux avoir un peu d'une couleur différente", dit-il. Mitchell peint dans les derniers reflets - les blancs les plus blancs qu'il peut utiliser sur le visage - quand il a presque fini.

Nicholas B. Chavez
2005, huile sur lin, 30 x 26.

En attendant que la peinture sèche sur le visage, l'artiste commence souvent à travailler sur le reste de la peinture; il peut également utiliser une variante de sa technique de superposition sur d'autres sections d'une peinture. Dans Lyle Phipps, par exemple, il a fait une sous-couche complète de la chemise. «J'ai commencé la chemise dans des blancs et des gris très clairs», explique-t-il. "Ensuite, j'ai très légèrement glacé dessus avec des ombres et des couleurs différentes pour faire ressortir les ombres." Ensuite, il a essuyé le vernis afin qu'un peu de peinture reste dans certaines parties du travail. La chemise de Lyle était réalisée en seulement trois couches, par opposition aux neuf ou 10 couches nécessaires pour certaines parties de la tête.

Il faut environ une semaine à Mitchell pour peindre un portrait; il travaille généralement sur plusieurs en même temps. «Je travaille environ une heure sur une, puis je passe à une autre», explique-t-il. L'horaire chargé est un travail d'amour. «J'ai toujours voulu être artiste», explique Mitchell. «C'était toujours l'essentiel dans mon esprit de dessiner et de peindre. Pouvoir faire cela semblait être la meilleure chose au monde, aussi longtemps que je me souvienne. »

À propos de l'artiste
Matthew Mitchell vit et travaille à Amherst, Massachusetts. Il peint au deuxième étage d'une grange sur sa propriété; son épouse, l'illustratrice Rebecca Guay-Mitchell, a son atelier au premier étage. Originaire du Minnesota, Mitchell a passé un an à étudier la biologie / l'illustration prémédicale à l'Iowa State University, à Ames, avant de fréquenter le Pratt Institute, à New York. Après ses études, il a collaboré avec l'artiste Perre DiCarlo et des jardiniers communautaires locaux pour construire un amphithéâtre en pierre dans le Lower East Side de Manhattan. Il a ensuite travaillé comme ébéniste et soudeur, peignant pendant son temps libre. Il a ensuite travaillé comme illustrateur pendant 10 ans avant de choisir de peindre des portraits en 2004. Pour plus d'informations sur Mitchell, contactez-le via le site du projet 100 Faces à www.100facesofwarexperience.org.

Karen Frankel est un écrivain / producteur primé de vidéos d'entreprise et un rédacteur de discours d'entreprise vivant à New York.

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